微电影拍摄指南

微电影是微时长的具有艺术性的电影。简单来说就是具有情节的短片。它最开始就是草根恶搞娱乐的产物。如果你想把自己的故事拍成微电影，那不妨拿起设备，现在就开始干吧。不是只有微电影。 微电影对于拍摄设备的要求并不高，佳能的5D2、Iphone4手机都是非常棒的拍摄设备，现在大多数家庭都备有DV，DV里都内置了丰富的艺术效果或自动编辑功能，你完全可以根据摄像机的引导来拍一些有意思的片段。 对于业余者来说，拍摄只需要按下开始键就可以了，为了避免内容太过冗长没重点，你不妨需要注意以下几点，这样你拍出来的微电影会更专业。 一、拍摄前观察环境  拍摄前观察环境主要是为了两点： 第一，通过周围环境的观察，你心里有打算哪些事物、角度会用到，甚至可以考虑到会采用升格(慢镜头)还是降格。第二，为自己人身安全考虑，因为拍摄时往往注意力只集中在被拍摄物体上，容易踩空或撞到物体而受伤。 二、微电影中大场面的拍法  如果微电影通篇下来都是固定镜头那会看起来非常地呆板与枯燥。当你拍摄大场面时，如果用广角镜头不能把整个画面完全拍摄下来，那么就应该使用“摇摄”的拍摄方式。摇摄是指在拍摄一个镜头时，摄像机位置不动，借助三脚架或人体进行任意方向的摇动拍摄。摇摄的形式是多种多样的，比如横向移动镜头光轴的水平横摇、垂直移动镜头光轴的垂直摇摄，中间带有几次停顿的间歇摇，摄影机旋转一周的环形摇，各种角度的倾斜摇等等。在摇摄时要把握好转动的速度和角度，这样画面才会顺畅。 三、微电影拍摄最中景物的多样化呈现  在拍摄人物和风景时采用移摄会直接调动人们在行进中或运动物体上的视觉感受。“移摄，画面的框架处于运动之中，画面内的物体不论是处于运动状态还是处于静止状态，都会呈现出位置不断移动开的态势，并且移动摄影通过摄影机的移动开拓了画面的造型空间，创造出独特的视觉艺术效果。 四、微电影拍摄者的镜头一定要稳住  许多人拿DV拍出来的视频晃动太大根本没法看。就是“跟摄”时不够注意。跟摄是摄像机始终跟随运动的被摄主体一起运动而进行的拍摄，用这种方式拍摄的画面称为跟镜头。在跟摄时跟上、追准被摄对象是跟镜头拍摄的基本要求，因为镜头大幅度的上下跳动极容易使观众产生视觉疲劳。 通常主体在画面中的位置相对稳定，而且景别也保持不变。这就要求在拍摄者与主体人物运动速度基本一致，这样才能够保证人物在画面中的位置相对稳定，既不会使主体人物移出画面，也不会出现景别的变化。 五、变焦拍摄注意定格  平时我们经常从电视上看到这样的画面，镜头对准一个广阔和场景，渐渐地镜头推进，最后聚焦于某个细节，这种经常运用于花卉、烛光、小动物等细节的拍摄。看上去显得很专业，不过我们一样可以用普通的家用DV拍摄出来。DV的焦距可以通过焦距拨杆来调节，将旋钮推至T那方，可以拉近并放大远方的景物;如将旋钮推至W那方，拍摄的范围则会扩大。拍摄变焦镜头时，需要注意在对准目标后要保持静止5秒钟左右，以便后期编辑，另外，在一组画面结束时也要把图像定格5秒钟，给人有始有终的感觉。 长焦距镜头具有视角窄、景深小的特点，有“望远”的效果，现在家用DV的光学变焦都达到10倍以上，有的甚至能达到30倍以上，远在10米之外的细小物体如同就在眼前伸手即可触摸到似的。但是，要想拍好长焦距镜头，需要注意：要防止DV抖动。 尽管现在许多DV的防抖效果很好，但在长焦端依旧很容易拍出画面抖动的微电影，影响观众的观看。因此拍摄时尽量使用三脚架稳定摄像机，或利用依托物，稳定住身体或手臂。因此如果不是剧情需要，尽量还是走到景物旁边用广角端进行拍摄，这样拍出来的画面稳定性要好很多。一般术语∶ 远景(WIDE SHOT)∶多用来交代周围的环境。 特写(CLOSE UP)∶使观众仔细看清楚某人或某物，并将周围环境完全排挤出画面。 跳离镜头(CUT SHOT)∶使观众的注意力跳离主要动作一段短时间，接到另一个镜头。 溶(DISSOLUE)∶将淡入和淡出结合，使前一影像叠在后一影像上。 拉近镜(ZOON IN)∶将原来中景或远景的镜头，突然快速变焦距，变为大特写或普通特写。 接开镜(ZOON OUT)∶由大特写或中景特写，突然变回中景或远景。 拍摄基本手法 推——其实就是摄像机不动，推进焦距。景别变小！ 拉——同上，拉大焦距。景别变大！ 摇——机器底部不动，从左到右、从右到左、上下等等摇头拍摄。 （简单说，机子在原地旋转） 移——机器头不动，底部装上滑轮，跟着演员平形移动！ （机子平移） 俯——机器架高，从上往下拍摄。 仰——机器降低，从下往上拍摄！ 跟——要用到很重要的仪器“斯坦尼康”配合，随着演员的移动而移动拍摄。 追——多为身后视点，机器随演员移动，是自由移动拍摄！ 微电影拍摄心得 DV微电影拍摄心得 先声明一下，我在这里所分享的DV微电影心得，是给DV爱好者，或者说是给高级DV爱好者分享的；不针对那种一个剧组二三十号人，从导演到剧务分工分明，各种设备齐全的专业团队。毕竟目前大部分DV微电影创作团队经济条件并不都那么优越，但经济的局限并不能阻止我们对DV微电影的爱好与激情。谁说三个人，一部60D、两盏800w的红头灯、几十块钱的外接话筒、甚至连轨道都没有的团队就拍不出好作品呢？本人拍过几个DV微电影，真诚的拿出目前我的心得与各位“战友”分享，互相交流，共同进步。 第一、战略 剧本是微电影的灵魂。说的现实点，我们并不富裕，所以，那种开场“海边沙滩上；豪华游艇内.....”之类的剧本直接pass掉吧，即便剧情很动人，但开销会大的惊人，不过喜欢DV的高富帅们可以尝试一下。其实也就是说，你的剧本在剧情很精彩的前提下，一定要尽量利用你身边免费的东西。当然一分钱不花也是不可能的，所谓好钢用在刀刃上，最小的开支呈现出片子最完美的剧情和艺术价值，简直是伟大的创举。 第二、武器 机器的好坏决定了片子的画面质量，但机器不好绝不是影响一个好作品的主要原因，拍出带感的好画面才是硬道理。 虽然现在大部分微电影的拍摄都用的单反，但我还是把单反跟摄像机以及小型DV一起混谈了，原理都是一样的。 如果你的机器像素不太高（80万左右的），要注意在拍摄中适当提高照明亮度，尽量应用自然光。机器好的可以划分多区域布光，多机种明暗影调变化，这样做的目的是让画面多一些层次，使画面更有味道，人像所在的布光尽可能在不过曝的前提下亮一点，因为人是画面的视觉中心。 友情提示：（1）切不可用数码变焦；（2）切不可用防抖挡拍摄；（3）切不可用LP.要用HQ.或者SP.【HQ(高画质)、SP()、LP(长时间)】可以根据情况选择；（4）切不可4：3、16：9来回切换拍摄；（5）拍摄夜晚灯光时，尤其是汽车灯，一定要去掉UV镜。 第三、实战 真拍起来DV，那问太多了，布光、录音、拍摄、穿帮等等，说都说不完，必须要自己去拍，多拍几次，问题会慢慢少很多。 布光以自然光为主，人工光为辅。天气的选择很重要，晴天或微阴天气拍出的画面要比阴天好的多，光的选择也要根据塑造人物形象不同，打的光也不同。一般来说，男人打硬光，女人打柔光，要现一个人或物体曲线轮廓，那就打逆光，在拍室内戏的时候，窗户外的强光会进入画面，会造成画面中的曝光过度，这是我们可以在室内打光，使室内光强与外界平衡，但要以室内光为基准调节白平衡。此类光比过大的情况都可以这样的方式解决。 在拍夜景时，摇移要尽量放慢，不然会出现拖尾情况，破坏画面质量。 反光板的选择，反光板可以根据用途分，补光用的、柔光用的、吸光用的、消弱光线用的。淘宝一体的反光板很多也很便宜，需要的可以去看看。 用单反拍的DV，录音很头疼，同期声的话筒价钱不菲，效果也不怎么好，单独录音，对话量大的话，后期剪辑很麻烦，但这就是现实，无论是哪种，都要自己去认真做，自己克服吧。 至于拍摄中的推拉摇移平稳性，方法多种多样，可以借助脚架、轨道之外的外物，寻找支点找物体依靠拍摄、自行车的航拍、滑板、超市购物车等等物体，发挥想象，很多困难都是可以解决的，但技术方面一定是要多练习才行的。 后期是非常关键的，目前我们“穷丑搓”能接触到的剪辑软件大部分就那几个（用绘声绘影的您真该换了），单反拍摄的个人推荐Premiere cs5.0以上版本，我用的5.5，专门剪辑单反制式用的，插件很多也很好下，跟AE也可以完美配合，摄像机和小高清拍的可以用EDIUS，网上也很好下载，不过你要是有更高端的非编软件也行，比如大洋，索贝，或者更高端的，那拍出来的片子一定不错的。 用这些软件个人觉得最头疼的就是制式问题了，剪了好几部，才彻底搞明白，由于不同的机器拍出来的制式多种多样，光一个MOV就十多种，什么AVI.mp4、m4v.wmv、asf、asx ....真的无法总结，要靠给位自己摸索了，一定要有耐心，不要吐血，记住，功夫不负有心人，只要热爱并坚持下去，一定能拍出来让自己满意的作品。 就先说这么多吧，平时要多看电影以及优秀的短片，有些可以试着模仿一下，对自己帮助挺大的。希望刚刚上手的朋友可以得到帮助，加油~~！ 影视后期与前期策划 不管是个人项目还是团体项目都要受成本（金钱+时间）和技术构成（人力+物力）的XIAN制。 我们花几年的时间去学习影视技术，但是一个5秒种的作品，就能看出价值的高低来。 所有后期技术都需要前期策划，才能保证项目最终的质量。 很多影视项目执行拍摄+后期制作的时间，远远没有前期策划的时间长。 策划你要有想法把？有了想法还要能表达出来，让别人能看懂，写出来，画出来..... 分镜？哥半路出家不会画，脚本？哥初中没毕业，某天咬牙写了一下午，不到100字{:4_132:} ........ 但是项目必须要做，这个时候策划一定要眼观四面耳听八方，找音乐听.....看作品........ 音乐符合已经定位的主题意向，确定整个片子的节奏。 接着就是美工，不能写不会画不要紧，美工参考一定要找全了。 美工担负着片子的视觉形象，货卖一张皮，所以第一步不能含糊了。 我的想法是两个空间，一个冷色，一个暖色！ 这个项目是需要合成的，但是条件**，不具备做逼真的实拍合成： 1，素材布光拍摄都很好，但是逼真的合成，抠像和匹配光源以及背景准备上都会加大工作量，提高成本。 2，背景下人物的光源反映，空间造型，前期策划不足...... 如果不了解自身的条件，而过高的要求“逼真性”，可能很费力但达不到预期的效果，甚至会有制作风险。 第二个暖色场景，仍然先避开自身的不利条件，确定做一个夕阳下人物剪影的效果， 我讲过的作品构成三要素：美工，节奏，动画，多听多看就满足两个了。 剩下动画：可能要边做边改，不要忘了在条件**下做动画，要考虑空间构成和运动规律。 这样整个项目AE能包揽制作了，我讲过的那些脚本和DJ的素材库是我的本钱，能节省成本，提高工作效率和作品质量。 最后要说，策划是计算，精确的计算能让我们控制结果。 老家有句话：穷人不挨饿，富人不挨饿，计算不好准挨饿。 很多人问我，为什么不去学3D软件？或者大家都认为软件会的越多，发挥方向越多。 但往往忽略了，作品构成的条件：成本预算+团队构成， 所以现实是会的软件越少，挣的越多，地位越高。因为他们会‘计算’，懂"控制"。 业余影像创作者所必修的编辑技巧 --进阶之道 镜头画面怎么接，时间长度怎么定，影片怎么组织构成…下面就来谈谈业余影像创作者必须要知道的一些编辑技巧。 编辑技术就是构成的技术，影像编辑并不是单纯的把不用的部份剪去，把要用的部份连接起来的单纯作业。 编辑的目的是透过构成的技术，使影像的表现凸显新的意义。因此编辑是充满挑战而有趣的工作，也是一个很知性的谜题。同样的素材交由不同的人编辑，就有不同的结果产生。构成的表现正是作者能力的表现。编辑是”感性的技术”，而非”感性的魔术”。”感性的判断并非编辑的全部，它必须具备编辑的技术。 理想的编辑是使人感觉不到编辑的存在  　好比我们观看一部影片，你觉得过程很顺畅，就像看一处连贯的风景般。这样的编辑就是理想的编辑。剪去不要的部份以后会产生不连贯的画面，如何把这些不相干画面巧妙平顺的衔接起来，这就是编辑的技术。 很多时候我们用感性的眼光剪接影片，却无法编辑出顺畅的影片。编辑有它的基本原则，并非凭我们的直觉随性的剪接就能完成。剪接点cuting point会产生对立与融合的不同状况，也就是两个画面相接合时会有顺畅(融合)和异样感(对立)的差异，为什么会有这种差异？造成异样感的原因又是什么？ 跳接  　我们用一个人5秒钟步行的画面来想象，如果我们剪掉第2秒的30格，影像会如何变化？步行的人在第二秒时会突然向前跳，此时观赏影像的人就会有"异样感"。在一连贯的动作中，剪去衔接部份，产生跳动现象，这种剪接叫“跳接”(Jumping cut)。譬如，有一个人正把各种物品放入行李箱，在一连贯的动作中，如果使用跳接将会比不经修剪的原始**，不但节奏变快，而且会频频跳动。上面所举的例子，实际上已令人产生了异样感、当然无法流利自然的连接。所以如非为了持殊的目的和需要应尽量避免使用。 编辑的基本NO.1  　为了使影像的流动避免产生不协调的异样感觉，编辑的基本首要原则是：不要用大小和位置不变的同一被摄体以卡接(cut in、cut out) 的方式来衔接。同一大小和位置不变的被摄体卡接，视觉上会产生连续性中断(不连续)的”跳接”现象。  　 进一步的说，除非为了强调连续镜头之间关连性的强度，和表现某些特殊的意义。要使影像自然顺畅的流动，最好避免使用这一种剪接法。拍摄人走路的的镜头，我们通常不会采用抽格。但我们会不经意的以相似的的镜头衔接，在不知不觉中犯了跳接的错误。  　 譬如我们拍摄八挂山大佛，摄影者拍摄了许多佛像的镜头，可是在剪辑时只选择了大小、位置类似的镜头相衔接，产生了不连续的感觉，影像呈微妙的连续跳动。 解决跳接的对策  　最单纯的对策是，首先把前镜头和后续镜头影像的大小差异加大。也就是近镜后接中景，中景后接长镜，长镜后接特写。不要使相同大小的影像连接在一起。这种大小不同的连续镜头，可以使“不连续感”和“不愉快的异样感”得以一举解除。  　 用最大的差异，明快的处理连续的镜头，使观赏者在许多镜头中感受到其中的连续性和顺畅感。人对“含糊的差异”有不愉快的感觉，对“明确的差异”较能接受。后者对编辑的节奏感和顺畅感具有很大的功用。  　 如果因事实的需要，必须连续使用同一大小的影像时，前镜头和后续镜头之间可以加入“桥接镜头”(bridge cut)。也就是在两个相似的镜头中插入一个迥异于前后两个镜头的画面。正如字面上的含意，桥接镜头是要制造前后有关连的两个镜头的差异性。就像文章的句点一样，把两个相似的镜头分开。以八挂山大佛为例，前镜头是中景的大佛正面像，后续镜头是中景的45度像，这两个相似的镜头的连接产生了不自然的跳动。如果在两镜之间插入一个信徒拜拜的镜头，影片将变得较顺畅而富变化。  　 在编辑的工作上有许多必须考虑的问题，其中之一是：从人类视觉特征的基本判断。如果能够具备充份的编辑知识，对摄影时镜头的运用和选择也有莫大的帮助。有了编辑的经验，在拍摄过程中对重要的被摄体选择不同的大小和位置来取镜。有了这些丰富的素材，编辑工作就额外的轻松顺手。编辑可以影响摄影，摄影也可影响编辑。 信息量和画面长度的关系  　画面的时间长度和流畅性是具关连性的。如果每一个镜头的时间都一样长，节奏感完全一致，很多时会使观赏者感觉单调乏味。如果把连续画面的长度巧妙大胆的加以变化，就有较强的节奏感，使观赏者容易感受到。并非所有的画面都以机械式来制定长度。从来画面长度就有“适当最好”的说法。但到底多长才算适当呢？  　 以前，如果你拿这个问题去问影像编辑者，他们通常给你的回答是，画面能达成它的任务的时间就是“适当时间”。譬如我们拍摄从黄昏到夜晚的片断，此时必须有满月的画面。到底这个满月的画面要多长？或许是2秒，或3秒。如果没有特别要强调，通常都不会超过5秒吧。这个满月的画面是在表示夜晚的到来，对于传达此项讯息所需要的信息量的长度如果只需2秒或3秒就足够，那么这一段时间就是所谓的”画面能达成它的任务的时间。  　 还有，在一般情况下，以固定画面影像的大小为例，近镜所需时间较短，长镜(广角)较长。这是以不同画面所提供的数据的数量的观点来说明的。近镜时数据数量少而明确，观众在短时间内就能接受信息的内容。长镜时数据数量多而复杂，观众要了解数据的内容必须花费较长的时间。例如以近镜拍摄一个人家的姓名牌(日本**多会在住家门前张挂“00家”的姓名牌)。这姓名牌只能告诉你这户人家的主人姓名，或是从姓名牌的状况判断房屋的新旧程度。  　 如果以广角镜拍摄，它所包括的数据量会增加，包括这个房屋的方位、面宽、结构、形式、邻家的状况等等都会传达给观众。当然，只拍摄姓名牌也许只要2秒，拍摄房屋全景则要3秒到5秒，如果把两者的时间对调，这个编辑的结果就会变得很奇怪。简单的说就是近镜时间短，长镜时间长。编辑的目的是要准确的传达信息，因此必须配合合理的“适当时间”。 电视、广告里的拍摄常用手法（绝招哦） 经常看到广告里面的食物和产品都“光耀照人”，让人一看了就想买就想吃，但到实际拿到手后却很电视里的截然不同。很多人都觉得肯定在后期处理上做了很多功夫才这样的，其实不然。他们只不过稍微动了动“手脚”，就可以达到判若两物的效果。下面就为你揭开谜底： 1.我们经常看看器皿苹果等水果的广告，上面的水滴好象通人性，分布很合理，整得产品很起来很唯美，工匠们通常就是用无色鞋油或凡士林涂于表面，然后喷水，它可以防止水滴的滑落，而起定型水的作用。 2.看到KFC的广告，我们无不为它的里面的数菜的艳丽惊叹，其实这样的东西并不是精心培育出来的，只不过是从小菜场买来，泡了一下碱水而已。 3.我们经常看到碑酒的广告吧，那碑酒视觉效果特棒吧，是不是很多人也试着拍过，就是没有人家的好？认为是厂商特制的吧？其实只要在碑酒里加入适量的精盐，那效果就来了。是不是想嫌它喷出来的泡沫不够好，不要紧，专业人士的也不够好，我们洗头发的那东东的沫够了吧？ 4.切开的苹果，拍了一张，切面就变色了？都来不及构图，怎么办，用盐水泡一下，几十分钟，你总该构图了吧？ 5.为什么人家拍出的菜总是那么好看，我拍的拷鸭，我拍的名贵鱼怎么就是那么的暗淡，好象不新鲜似的，那么的提不起人的胃口？那个职业摄影师在干什么？哦，他拎了瓶精制食用油，在往鸭鱼身上抹呢，我们也试试，哇，色泽真诱人，口水掉了一地。 6.为何优秀的作品那光那影，那烟，怎么都那么唯美，人家的锅碗，盆里的冒出来的热气怎么拍得那么清晰，唯美，专业人士就是厉厉，难道热气烟都要听他的？是呀，因为它会利用干冰滴水，用管子吹烟，当然自己想要浓，就浓，要淡就淡，什么时候冒就冒，听人指挥，想要它在那出现就在那出现，当然画面要比别人的好，得奖也是必然的。 7，说到这里，你该有点明白了，也知道要表示煮沸腾，如果真煮到那样，拍起来因为有水汽，画质不会理想，弄个管子在下面吹泡泡，效果更好，画质提高几十倍，多花几万元上个牛头，也达不到这效果。 8.还有点想不通？什么不要沸腾，要煮开不腾的？动动脑，会想到的，自己不洗碗，也看过老妈洗碗吧，是的倒进点洗洁精，搅一搅，看看是不是冷水（汤）都变成开的了。 现在明白了为什么了吗？